Entrevista a Lucas Martinelli-Por Rodrigo García

Lucas Martinelli se dedica a cantar canciones desde que tiene memoria. Para él, la música nunca fue un objetivo, una meta o un placer. Se trató, desde el comienzo, de un lenguaje, con el cual decir cosas y destilar emociones. Suena lógico entonces que cuando sobrevino la composición, lo haya hecho en forma de canciones íntimas, sinceras, en un lenguaje emotivo y sin pretensiones estilísticas más que el retrato de realidades, emociones y vivencias. 

Pasen y lean esta muy interesante entrevista:

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Hablemos de Lucas Martinell, como artista primero: ¿En que momento disidiste salir al mundo para que todes escuchen tus canciones?

Intento y sueño con hacer música desde muy joven, y siempre creí en el arte como un vehículo cultural y una herramienta de comunicación, así que desde el comienzo jamás dudé en mostrar lo que hacía al mundo, incluso cuando no creyera que fuera algo de calidad. Creo que el arte es un lenguaje y no sirve de nada si uno se lo guarda para sí mismo. En el caso de comenzar a tocar como solista, fue una decisión que vino después de un buen tiempo de participar en otros proyectos, cuando empecé a crecer como compositor y me di cuenta que prefería ser yo mismo quien tocara, cantara y sirviera de vehículo para esas expresiones, sin tener una dependencia o depender de los tiempos y los cambios de otras personas.

 Tu carrera recién empieza, ponele, y los sueños me imagino deben ser muchos… ¿Soñás a gran escala o vas viviendo el día a día y disfrutando cada momento?

Lo ideal, como en muchas cosas, es intentar encontrar un balance entre ambas. Proyectar, ansiar y soñar siempre es necesario, porque nos pone metas, nos hace mover los pies, y nos motiva a construir. Pero tampoco creo en anhelar excesivamente el futuro o las grandes cosas, porque es muy fácil perderse en la autoexplotación, la ansiedad y la frustración. La sociedad, hoy en día, alimenta todo el tiempo estas nociones de éxito o fracaso, y si te descuidas, pueden convertir todo en una competencia, y a las personas en seres muy amargados. Aunque mi propio entusiasmo a veces me traicione y me frustre, todos los días me esfuerzo por ver lo logrado, disfrutarlo y enorgullecerme por ello.

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Decís que te avergonzabas de tu lugar de origen, y después lo superaste. ¿Cuál fue ese proceso que tuviste que hacer para dejar de avergonzarte de tu barrio?

Fue un proceso largo, y algo natural. La pobreza trae muchas más consecuencias que la falta de medios o dinero. Una de ellas es la vergüenza. De algún modo, nos han inyectado la idea de que ser pobres es algo de lo que hay que avergonzarse, que es culpa nuestra. Y si bien uno sabe que no es así, no puede evitar sentir vergüenza cuando se topa con gente de otras clases sociales que ha logrado hacer cosas en la vida que uno nunca pudo o ni soñaría. En la música también sucede. He conocido músicos maravillosos que lo son porque han podido dedicarle la vida entera y muchísimas horas y dinero más que yo, que tenía que laburar todo el día y nunca tenía plata. Eso me hizo sentir vergüenza por mucho tiempo. Sentía que no era capaz de estar a la altura de ellos. Que nací pobre y estaba intentando hacer cosas que no eran para mí. Me daba vergüenza caer a tocar con un instrumento barato, o decir de dónde venía o de qué laburaba. Hasta que en algún momento me di cuenta que mi condición, más que ser un impedimento, podía aportarle cosas útiles a mi arte. Darme una visión de las cosas que los demás tal vez no tenían, o preferían no tener. Eso me activó un proceso interior y me comenzó a transformar la vergüenza en orgullo. Las cosas que viví son las que me tocaron, y aun así, todavía intento hacer música. De eso trata un poco mi nuevo disco.

Yo te entiendo porque vivo en un barrio de monoblocks en Boulogne y cuando me preguntaban donde vivía decía San Isidro… qué ridículo, ¿no? ¿Cómo has visto a este tipo de barrios con el correr de los los y las crisis?

¡Éramos casi vecinos! Yo soy de Sourdeaux, también en zona norte. Mirá, no sé si en tu barrio habrá sido así, pero en el caso del mío, y de muchos otros parecidos que conozco, el tiempo parece transcurrir de una forma distinta. Hoy en día voy de visita de vez en cuando y me encuentro con todo más o menos igual. La gente tiende a tener vidas más lentas, menos inmiscuidas en la actualidad de las cosas que pasan. Tienen una rara resignación. Los jóvenes se buscan un par de hobbies (El fútbol, el boliche, la PlayStation) y van por ahí durando. Los viejos, la tele, las charlas con los vecinos cuando van a hacer las compras, y ahí se quedan también. Por eso los cambios tardan tanto en llegar. Incluso aunque las crisis llegan enseguida, porque siempre impactan primero a los pobres, la reacción de la gente tarda muchísimo. Aumentan las cosas, y las pagan igual, resignados. Son poblaciones muy dormidas, donde cualquier distracción funciona muy bien, y por lo general no se les despierta ningún tipo de indignación activa hasta que es muy tarde.

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También decís que si la seguís peleando todo va a estar bien… ¿Vos en algún momento pensaste en bajar los brazos y decir de acá no me voy más?

Mil veces. Allá tenemos una frase que es que “El barrio te chupa.” Quiere decir que el barrio no es solamente un lugar: Es las oportunidades, las opciones, y las cosas que te brinda y te niega. El barrio es un sector social. Es distinto a cuando uno vive en una ciudad y tiene un abanico de posibilidades en la vida. Allá las opciones son muy pocas. Y cuando te empezás a querer ir te das cuenta que no vas a funcionar del todo bien en otro lado, porque el barrio no te dio las herramientas necesarias. Yo hoy en día vivo en la ciudad, y aun así es como que no te terminas de ir. Te sentís como sapo de otro pozo. Un pobre que se la está dando de porteño. El camino fácil siempre es la tentación de bajar los brazos y no irte. Resignarte a quedarte allá, o a volverte. Es una lucha constante. Cuando te vas seguís siendo el mismo pibe pobre de barrio, excepto que ahora la tenés que remar incluso más que antes. En cierto modo, esa lucha no termina nunca.

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Hablemos de “Sourdeaux”. ¿Cómo fue el proceso de grabación, y qué diferencias hubo en este disco con respecto al anterior: “Las guerras perdidas”?

Fueron dos procesos muy distintos. “Las Guerras Perdidas” es un disco muy pulido. Fue grabado en muchas etapas distintas, construyendo las canciones de a poco. Primero mis partes, por lo general guitarras y voces (Las que construían la canción en sí) y luego los distintos instrumentos que completaban los arreglos. Violines, cellos, pianos, bajos y baterías, percusiones, etc., y las canciones se fueron construyendo de una forma más clínica, eligiendo las mejores tomas, acomodando todo, poniendo y sacando cosas. Fue un proceso largo y exhaustivo. Esta vez quisimos hacer algo deliberadamente distinto: Concentrarnos en la espontaneidad de la música, ofrecer versiones más desenfadadas y menos pulidas, hacer un disco a la vieja escuela, y que las canciones hablen por sí mismas. Para ello, lo que hicimos fue lo opuesto al anterior: Nos encerramos una noche en Romaphonic, y grabamos todas las canciones ahí mismo. Toqué dos o tres veces cada canción, se eligió la mejor toma, y esa es la que quedó en el disco. No se corrigió ni editó nada, sólo se agregaron algunos pequeñísimos overdubs también esa misma noche. Las mezclamos, masterizamos, y  eso es lo que se escucha en el disco.

¿De Julio Cortázar que me podes decir?

Mas allá de que sea uno de mis escritores favoritos desde siempre, y una gran influencia en mi otra faceta artística, que es la escritura, hay una razón muy específica por la cual uno de sus libros figura en la portada de “Las Guerras Perdidas” y tiene que ver justamente con toda la cuestión del barrio: Ese libro fue uno de los primeros que leí de chico. Era una edición barata que venía con el diario. Y leerlo fue uno de los primeros recuerdos que tengo sobre mi mente comenzando a abrirse a las expresiones artísticas y a todo esto que hoy es central en mi vida. Hoy en día me dedico bastante a la escritura también (de hecho, junto con mi último disco saqué un pequeño fanzine con textos complementarios) y puede que todo sea gracias a ese libro.

¿Qué buscaste con la producción de Paulina Chiarantano”?

Fue un trabajo conjunto que nos cerró por muchos lados. Paulina no sólo tiene muchísimo conocimiento técnico (ya que si bien queríamos una producción espontánea, la idea era que tenga un audio de calidad) sino que también tiene una ética de trabajo que se complementa mucho con la mía, y me mantuvo los pies en la tierra y con metas muy concretas durante el proceso. Además, ella pasó por una situación de vida muy similar a la mía, entonces entendió a la perfección lo que quería transmitir en el disco, y cómo. Incluso compositivamente fue importantísimo para mí tener su input, ya que el disco trataba de unas cuestiones tan personales, que precisaba de la visión y el criterio de otra persona para no terminar haciendo algo que sólo entendiera yo.

Contanos la historia de la canción “Cine Maipú” devenido en supermercado Chino y no en Iglesia… y además, ¿quién era ese cantante que tocó por última vez?

Esa es una historia real tal cual como se escucha en la canción. El Cine Maipú era el cine que teníamos en el barrio cuando yo era chico. Era de esos cines pequeños y familiares que había antes de que llegaran las grandes cadenas y los shoppings, y era básicamente el único acceso a la cultura que teníamos además de la televisión. Para cuando yo nací el cine ya andaba con dificultades económicas y había empezado a operar también como teatro y como lugar para recitales. Y así fue que una vez mi viejo me llevó a ver a un cantante que tocaba ahí, y el tipo detuvo el show en un momento, para contarnos que esa era la última vez que el cine iba a estar abierto, porque cerraría para siempre al día siguiente. Yo en aquel momento no me dí cuenta, pero de grande entendería que aquello fue parte de todo un embate contra la cultura que fueron sufriendo los barrios, que de a poco se quedaron sin bibliotecas, cines, teatros, centros culturales y demás. Parece que los  pobres tienen que morirse trabajando, y no necesitan de esas cosas que los distraigan o eduquen.

La cuestión es que ese recuerdo y lo que significó para el barrio y para mí, me quedó siempre guardado. La identidad de aquel cantante es un secreto que guardamos mi viejo y yo. Al menos hasta que aparezca otra persona que haya estado ahí esa noche jajaja.

¿Para cuándo la presentación oficial del disco?

Aunque no sé si llamarla “presentación oficial”, porque no suelo hacer presentaciones de ese tipo,  el 12 de junio a las 21hs. voy a estar tocando junto a los chicos de Sobreviento, en El Surco, un Centro Cultural muy lindo de Boedo, y con una entrada muy barata y acorde a los tiempos que corren. La info está dando vueltas en mis redes sociales. Seguramente suene el nuevo disco entero, y algunas canciones del anterior también. Traeremos un poco del barrio a la ciudad.

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Entrevista a Miniaturas de un Pavote-Por Rodrigo Garcia

“Cuando le hice escuchar la maqueta del tema a mi vieja, me dijo: “Me hizo acordar a mi papá, cuando tomaba mate y sol en la vereda de casa, o a la feria de los viernes, donde ibas de chiquito, ¿te acordás?”

Siempre compañeros es un poco eso, mi barrio, Ciudadela, un barrio tan olvidado por el resto del mundo como nosotros mismo. Es una historia pequeña, minúscula, imperceptible, que trata de ir desde lo personal hasta lo universal llevando como bandera el recuerdo de todos esos compañeros y compañeras que no te dejan aflojar.” Cuenta Tomás Grandinetti, cantante. Nos contó esto y más sobre la banda.

  • ¿En qué momento de la banda notaron que los empezaban a ir a ver personas que ya no eran los amigos de siempre?

La verdad es que es algo que se va dando progresivamente, al menos en nuestro caso. Aun así, no deja de sorprendernos. Desde la salida del disco no paramos de recibir mensajes de cariño y de empuje que nos ponen muy contentos. Ver caras nuevas en los shows, cantando nuestra canciones, es lo más lindo que nos puede pasar.

  • Como reza la gacetilla Miniuaturas no son solo los que suben al escenario. Háblenme un como más de: Metadata, Ricky Tunez y Clave Solidaria.

Desde que armamos la banda nos propusimos abarcar distintos aspectos artísticos: incorporamos a Metadata y Orgasmo Visual que son dos grupos que trabajan el aspecto audiovisual de la banda desde distintas miradas. El arte de la banda está a cargo de Ricky, un amigo-hermano de Carlos Casares que es un artista enorme y que hace todos los dibujos referentes a la banda. Clave Solidaria es una ONG sin banderas políticas que ayuda a muchas (demasiadas) familias del oeste y a quienes conocemos desde hace mucho, tratamos de darles una mano desde nuestro lugar, con el arte, juntando alimentos, útiles, ropa o lo que sea necesario en cada show, siempre invitando a que se sumen los medios y los artistas a esta movida.

  • El tema “Siempre compañeros” me gustó mucho y me hizo de alguna manera caminar por esas calles que describen, además porque conozco por ahí, y he cruzado mucho la Gral Paz, ese muro de Berlin. ¿Se siente realmente esa diferencia entre la Gral Paz de un lado y del otro?

Yo nací y crecí en Ciudadela. Un lugar del que solo se conocen malas noticias por boca de los medios. Un lugar completamente olvidado aun hoy. Esa sensación estuvo siempre, sin embargo, lo que trata de hacer esta canción es poner de manifiesto otra cara, de contar que hay algo más ahí, que es verdad que estamos jodidos, pero que luchamos, junto a compañeros y compañeras, por algo mejor.

 Descarga ¨Siempre Compañeros¨  https://drive.google.com/file/d/1N9F8DEKXU0AYeW1Qxm4S5dYmvcdr97MG/view

  • ¿Cómo fue que le ofrecieron a Manu Quieto (La Mancha de Rolando) cantar con Ud?

A Manu lo conocimos en Carlos Casares, en un show que compartimos. Inmediatamente pegamos una onda tan linda que parecíamos amigos de toda la vida. Conocer a alguien que escuchas en la radio desde que tenes doce años y sentir que no te defrauda como persona, fue algo hermoso. Manu es una gran persona y fue así que accedió naturalmente a que cantemos juntos.

  • ¿Este tema formará parte de un nuevo disco largo o será un EP?

Este tema es una especie de cierre. Un puente entre lo que fue y lo que se viene. Si bien los temas de Uniformes (nuestro último disco) van estar siempre presentes en nuestro show, su etapa se termina con Siempre compañeros. Ahora comienzo algo nuevo, algo distinto.

  • ¿Cómo se reparten la tarea de la composición de los temas, es decir quien escribe las letras y quien la música?

No hay nada especificado respecto a quien o quienes componen, pero lo que respecta a Uniformes, yo escribí las letras y arme las maquetas de la música. Después, la banda modificó y agregó todo lo que creía necesario para interpretar la idea, siempre dándole prioridad a la historia y a los detalles.

  • El 7 de junio en Casa Colombo con que show nos vamos a encontrar, y porque debería ir a ver a Miniaturas de un Pavote?

A éste show en particular, diría que tienen que venir porque, como dije anteriormente, presentamos Siempre compañeros que nos significa un cierre de etapa. Un cierre que da lugar a un comienzo. Y esa mezcla de sensaciones se van a plasmar en el show, con muchas cosas interesantes y algunos invitados de lujo.

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Entreviasta a Los Tipitos-Por Luis Candia

Los Tipitos presentan “ DE MI FLOR ”

Su primer disco de folclore, ya disponible en todas las disquerías del país y plataformas digitales!

“VENI A VIVIR POR PRIMERA VEZ ESTE DISCO DE FOLKLORE Y FESTEJAR SUS 25 AÑOS”

SABADO 1 DE JUNIO – 21 hs,

EN EL AUDITORIO DE LA USINA DEL ARTE

Por tal motivo nos juntamos con Raul Ruffino (guitarra) para hablar de este disco y otros temas:

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Entrevista al Paraiso de Eva- Por Rodrigo Garcia

Es “El Paraíso de Eva” y no de Adán. Un paraíso nuevo, que viene a cuestionar la lógica y proponer un nuevo ideal. Un paraíso de iguales, para visualizar los sueños y lograrlos; un paraíso de transformación constante, de energía, de convicciones.

Para saber más de ellos nos juntamos para charlar un rato con Nico Petrungaro – Batería.

Acá la interesante entrevista.

Hablemos del principio: ¿Cómo se forma El Paraiso de Eva?

El Paraíso de Eva nace de una necesidad de un cambió, la mayoría de nosotres venimos de un proyecto anterior muy metido en el ámbito del rock y quisimos crear un nuevo proyecto donde podamos generar una combinación de estilos musicales, donde el pop, el funk y la electrónica se sumen a las letras que hablan de temas actuales, donde todes estamos involucrados y significan algo.

¿Cuándo una banda se forma como se llega a difinir el sonido que tendrá?

Es una buena pregunta, hay una búsqueda que nunca termina en ese sentido. Muchas veces uno tiene una idea en la cabeza y en el desarrollo de la idea, en el pasaje a la instrumentación, en la composición esa idea se va logrando y muchas veces aparecen otras ideas que terminar primando. Por lo tanto esa búsqueda no es una línea recta, por supuesto que tiene un horizonte, influencias, sonidos predilectos, pero en el camino a veces terminan apareciendo lugares donde la canción se siente cómoda y suena. Y muchas veces ese termina siendo el lugar o no y se deambula mucho, incluso se dejan canciones de lado q luego se retoman cuando hay sonidos de la banda mas maduros. Es todo una aventura definir el sonido de la banda.

Me gusta eso de  “El Paraiso de Eva” y no de Adán, habla mucho de la ideología de la banda de reivindicar a la mujer, a la igual, ya lo demuestran también en la letra de “Quiero”.

Es un paraíso de iguales, de esfuerzo y de trabajo, de transformación constante y de energía, de convicciones, de bailes frenéticos, meneos profundos y alegrías duraderas que pretenden que esta tierra, y no otra, sea nuestro edén. El Paraíso de Eva viene a representar no solo la diversidad sino también lo terrenal en la mirada de un paraíso, el hecho de tratar de construir pequeños paraísos en las cosas cotidianas, poder embellecer los momentos y hacer de lo estático algo un poco más dinámico y con movimiento.

Ahí nuestras canciones entran en escena, la propuesta quiere hacer bailar, mover el cuerpo, sacudirse sin prejuicios, romper con la velocidad de la ciudad sin una propuesta Zen, sino con canciones activas.
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¿A la hora de componer, como se reparten las tareas; quien escribe las letras y quien la música?

En general las letras las hace Ale, con las melodías de la voz e incluso muchas lineas armónicas. Después hay algo de laboratorio y de búsqueda siempre en lo de Lobo (tecladista) y un aporte que le hace cada uno a las canciones con su instrumento o mismo en ese laboratorio probando distintas cosas. Hay una tarea de conjunto, pero generalmente hay una idea primigenia que viene por ese lado, después se van puliendo las maquetas y por ultimo se pasan a la instrumentación. No es que este sea el único método pero últimamente nos viene funcionando…

Me imagino que al ser varios integrantes, tendrán varias influencias musicales. ¿Hay una en la que coincidan todes?

Nuestras influencias son muy variadas y buscamos no solo las coincidencias musicales sino también los géneros que mejor resaltan la canción.Proponemos un sonido moderno, urbano, con influencias del funk, de la electrónica y el pop, aunque también algo de la esencia del rock donde coincidimos todes y el hip hop.

22 de mayo es la cita en La Tangente. ¿Por qué hay que ir a ver a El Paraíso de Eva?

En cada show proponemos transitar nuestras canciones y algunas versiones de temas que nos gusten, con invitades y amigues, sin dejar de mover el cuerpo. Es un show que propone parar muy poquito y mover mucho. Los escenarios son variados, en este caso La Tangente el próximo 22 de Mayo. Te puedo asegurar que el baila y la buena vibra no van a faltar, va a ser un show con una propuesta de escenografía y puesta en escena integral y sobre todo con mucha música.

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Encontralos en:

Entrevista a La Cantante Peruana- NURIA SABA – Por Luis Candia

¿Quién es NURIA SABA? 

Estudió en Columbia College Chicago. 

Con tan solo 23 años, la joven cantante se ha destacado en diferentes disciplinas artísticas en su país natal: 

Realizó cortos y largometrajes, lo que la llevó a estar nominada a mejor composición en el corto “Me Puedes Ver” de Alvaro Aparicio por Conacine. 

Realizó la musicalización de la película “El Soñador”, por lo cual fue nominada en los Premios Platino.

Realizó la musicalización para obras de teatro en Perú como “La Odisea” y “La vida es sueño”, entre otras.

En agosto del 2018 presentó su primer disco “Niña Ojos Púrpura” como cantante y compositora y el mes de octubre de 2018 la encontraría haciendo su primera gira internacional a Chile. 

“Niña Ojos Púrpura” se encuentra disponible en todas las tiendas digitales, entre ellas Spotify

Podés descargar el single “Se fue la luz” haciendo click aquí

Fotos y nota: Luis Candia

Entrevista a Sobreviento-Por Rodrigo García

El proyecto musical de Sobreviento pone énfasis en la canción, así como en la búsqueda constante de nuevos sonidos, nuevas texturas, y se nutre de un amplio arco de referencias: desde los pioneros del rock nacional, pasando por el folclore y la música latinoamericana, hasta experiencias novedosas de la música popular argentina e internacional.

Raw Power tuvo el enorme placer de charlar un rato con Flor Wosh (voz),  Pablo Boyé (guitarra) y esto es lo que nos contaron.

¿Cómo nace Sobreviento como banda, cómo es que deciden el estilo musical que finalmente tendrá la banda?

Pablo: El estilo nace un poco de las afinidades musicales, estéticas y políticas que tenemos quienes formamos parte del grupo. Después hay algo que se va dando en el devenir: de hecho, hemos ido transitando diferentes formas de encarar y hacer nuestra música. Entonces, hay un proceso de ir descubriéndonos en el hacer. También hay un aprendizaje que se va dando y que es colectivo, a nivel banda y a nivel más grande, en relación a esxs otrxs artistas, músiques, colegas, que nos van nutriendo y enseñando cosas nuevas. No hay probablemente una definición a priori de las cosas, sin embargo, en lo que refiere a Floresta, nuestro nuevo disco, sí tuvimos en claro que lo que nos importaba más que todo era y es la canción, que la canción salga al frente.

¿A que le canta Sobreviento, es decir; a la hora de escribir una canción, ¿qué cosas los inspiran?

Pablo: Cantamos a la vida y a la muerte, a losamores y las amistades, a nuestros miedos y también a nuestros deseos, a los anhelos. Todes cantamos o decimos un poco las mismas cosas. En Floresta, el barrio y la infancia aparecen con fuerza, pero nuestro intento no es que sea de un modo cerrado y personal, sino tratando de proyectarlo hacia afuera, que sea intimista, pero que también sea de todes. Y yo creo que no es con nostalgia, porque no hay una añoranza de volver hacia ese pasado. Es una mirada que revisita y lo trae al presente para tratar de comprendernos mejor.

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¿Qué diferencias  hay –si es que las hubo- entre aquel primer disco “Cielo y caer” (2015) y este “Floresta” (2019)? En el sentido de uds. como banda, de otros instrumentos, más tiempo de ensayo, etc., etc.

Pablo: Las diferencias están más a nivel conceptual. Hay otra forma nuestra de pensar la canción. Ya desde cómo fueron concebidas las canciones de Floresta: lo importante era que funcionaran desde su forma más esencial, fogonera, con una guitarra y una voz. Y con el objetivo de apelar a lo emocional, al conmover. Después fue llevar eso al plano de la banda y ahí también hubo un replanteo acerca de cómo encarar el disco desde la estética sonora, que también es muy diferente a Cielo y caer. Es como si ahora hubiésemos empezado a sacarnos las máscaras. Floresta es la foto más transparente de Sobreviento hoy.

Hoy en día escuchar un voz femenina al frente de una banda, ya no es novedad -por suerte- como vive la banda este momento de la Mujer tan presente en las luchas y sobre todo Flor como voz cantante…

Flor: Lo vivimos con mucha emoción y entusiasmo. Estamos frente a una revolución que va a transformar y generar un impacto importantísimo en materia de inclusión. Al hablar sobre privilegios se destapan muchas ollas; hoy ya no solo hablamos de la problemática de la mujer sino de las identidades disidentes, contra hegemónicas, pobres, discapacitadas, etc. El movimiento feminista ha abierto -al menos acá- un libro de injusticias históricas que se valían a través de la figura del varón. Eso ya no va más. Hay que cantarlo, bailarlo, pasarlo por les cuerpos, escribirlo, sentirlo de la forma que más nos identifique. Por eso hay un semillero de artistas tan interesantes surgiendo, porque están corriendo el eje de lugares que hoy están en jaque y que son necesarios reflexionar.

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La presentación de Floresta es el 15 de mayo en La Tangente. ¿Cómo se están preparando para ese show? ¿Nos pueden adelantar algo de lo que van a hacer el 15?

Pablo: La idea es presentar todas las canciones del disco, con todes les invitades que participaron de la grabación, y estamos preparando también algunas sorpresas. Va a ser un show fuerte, porque ya de por sí es fuerte que esto suceda en el contexto de país que nos toca vivir. Nosotros apostamos al encuentro, al abrazo a través de la música y las canciones. Estamos muy ansiosos y con mucha expectativa de cómo vibrará esa noche.

¿Y para el resto del 2019 qué les depara?

Pablo: 2019 es una incógnita. Ojalá vengan vientos mejores y se termine está espantosa etapa neoliberal. Ojalá nos depare esa transformación. Y a nivel grupo, seguir componiendo y presentando las nuevas canciones.

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Entrevista a DELAIN-Por Rodrigo García

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Han pasado 17 años desde la creación del Delain. ¿Como ha sido evolución de la banda?

Por lo general, contamos desde el lanzamiento de nuestro primer álbum Lucidity en 2006, desde entonces hemos pasado de proyecto a banda, hemos recorrido el mundo y lanzado 5 álbumes, 3 EP y dos Blu-Rays en vivo, en el momento en que estamos trabajando en nuestro sexto álbum de estudio y estamos entusiasmados con el nuevo material.

¿Cuál es la diferencia entre “metal gótico” y “metal” Sinfónico”?, si hay una diferencia, según tu opinión?.

Creo que estas etiquetas solo son útiles a medias ya que todos tienen una definición diferente de lo que significa “gótico” o “sinfónico”. Personalmente asocio la etiqueta “gótica” con temas oscuros / románticos, por lo que como etiqueta refleja más el lado lírico de las cosas, “sinfónica” al contrario, asocio más con el lado instrumental o estructural de las cosas, por lo que por ejemplo, si se utilizan instrumentos que encontraría en una orquesta, o si las canciones tienen estructuras de canciones elaboradas como las que encontraría en las sinfonías en lugar de en las canciones pop. Aplicado a Delain ambos son parcialmente verdaderos. En goth: nuestras canciones tratan mucho con temas oscuros, pero no hay romanticismo de la muerte. En cuanto al aspecto sinfónico: hay una gran cantidad de instrumentación clásica en nuestros arreglos, sin embargo, la mayoría de las canciones, salvo algunas excepciones como Masters of Destiny, siguen una estructura pop.

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Ser vocalista de una banda de metal sinfónico, en caso de que lo seas o no. ¿Tienes el registro de soprano para ser parte?

No, ese tipo de reglas solo harían al género aburrido al final.

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Para ser tantos miembros de la banda, en las giras: ¿Generalmente van a conocer lugares todos juntos, o cada uno va solo, las chicas salen solas …?

¡Todas esas cosas! Los viajes toman mucho tiempo, así que algunos días saldremos todos juntos, otros días necesitaré algo de tiempo a solas (no hay mucho de eso en la gira y este introvertido secreto lo necesita para recargarse) y luego hay algunos cosas que ciertos miembros de la banda disfrutan y otras no, por lo que habrá “equipos”.

El último álbum salió en 2016. ¿Ya estás trabajando en uno nuevo?

¡Sí! Después de eso hicimos una reedición de Lucidity, nuestro primer DVD en vivo “A Decade of Delain – Live at Paradiso”, y el mes pasado lanzamos nuestro EP Extendido / Live Blu-Ray “Hunter’s Moon” lleno de nuevas canciones y un registro de nuestro Danse Macabre tour con Marco Hietala de Nightwish. En este momento estamos trabajando en nuestro próximo álbum de estudio completo que esperamos lanzar a finales de este año.

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Una vez más en Argentina y esta vez con Vuur, antes con Nightwish. ¿Qué han podido saber sobre el país y cómo calificarías a los aficionados argentinos?

Me encanta la hospitalidad de la gente y lo apasionados que son los fanáticos en los conciertos. ¡Hace que actuar en Argentina sea tan especial! Nos hemos divertido mucho cada vez que venimos y espero que algún día pueda ir a Argentina para unas vacaciones y explorar el Parque Nacional Patagonia.

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Entrevista a OLD SKULLS-Por Rodrigo García

Luego de tener una muy buena recepción con su segundo disco homónimo la banda oriunda del Noroeste de Buenos Aires formada en el año 2012, forjada en las entrañas de la vieja escuela punk y alternativa. Nos presenta “El Karma Universal”, nos juntamos a hablar con  Rancio Cantante y guitarrista de la banda y este fue el resultado
 
¿Se consideran Uds. una banda “combativa”? ¿Y creen que el rock nació justamente para eso, para gritarle en la cara al sistema lo mal que está funcionando?
Si, sin dudas nos creemos una banda combativa. Y más que el rock te diría que el Punk nació para eso. El Punk siempre fue la rama más rebelde del Rock y la que representa a la minoría que le escupe en la cara al sistema.
¿ A que se refieren cuando dicen que “Nadie es dueño de su libertad”? ¿Yo no soy libre como pensaba…??
La frase dice “Nadie es dueño de tu libertad”. La libertad nace en la mente y está en cada uno vivir cabizbajo o con la frente en alto, siendo firme a sus convicciones.
¿Cómo fue esa experiencia con el gran “Stuka”?
La experiencia con Stuka fue algo único, inesperado y espontáneo por sobre todo. De un día para el otro nos llegó la invitación a juntarnos con el en una sala de ensayo en el norte de Buenos Aires, y no entendíamos para qué. Hicimos temas de violadores y algún que otro cover y asi se dió lo que se dió. De repente pasaste de tocar el riff the “Nada ni nadie nos puede doblegar” en tu casa a estar con el guitarrista de los Violadores tocandolo en vivo y toda la gente coreándolo.
¿Que buscaron a la hora de contratar a Damián “Chino” Biscotti de Cadena  como productor?
En realidad no buscamos al Chino ni tampoco lo contratamos ni nada por el estilo. Nosotros habíamos ido a un estudio muy reconocido de Buenos Aires a arreglar para empezar a grabar el disco, y en paralelo casualmente conocimos al Chino, tocando con Pelea de Gallos en distintos puntos de la provincia. Al Chino le gustaba la banda y entre charla y charla le contamos que estábamos por empezar a grabar el disco y nos preguntó si nos gustaría laburar con el y hacer un laburo de producción. Ni lo dudamos. Cancelamos el otro estudio y nos pusimos a laburarlo con el. Sin necesidad de contar con un estudio costoso, se hizo todo a pulmón y superó nuestras expectativas en cuanto a producto final. Fue lo mejor que pudimos haber hecho porque tanto él como Nico Villafañe eran uno más en la banda que buscaban que el disco suene como si fuese su propia banda.
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¿Los tatuajes para Uds. significan algo más que simplemente decorarse el cuerpo, no?
Creo que la gente le da muchas vueltas al tema de los tatuajes, buscándole una explicación o una razón a cada cosa, sobretodo los que no se tatúan y como que de eso hacen un tabú bastante ridículo. Cada persona tiene su razón para hacerse un tatuaje que puede ser por ejemplo un recuerdo de vida, algún momento que quisieron inmortalizar, algo que los identifica y quieren llevarlo marcado en la piel, o simplemente un asunto estético, y está perfecto. Supongo que cada tatuaje también tiene algo de “decorarse” porque tampoco vas a ir a tatuarte algo que te parece una mierda y no te gustaría tenerlo grabado en el cuerpo
¿Cuál creen Uds. que es el Karma universal? ¿Y cual el Karma de la Argentina?
El Karma es una ley que dice que cada acto que se lleva a cabo tiene su repercusión y consecuencia. En “Tan solo una canción” decimos en un momento que “somos el karma universal” y la explicación de eso es que cada integrante de Old Skulls pasó por distintos periodos complicados durante este camino que es el rock, y cada uno tuvo que tomar decisiones de distinto tipo y que en su momento sufrimos, pero que gracias a ese camino hoy llegamos al lugar donde estamos y haber formado esta banda que es lo mas “nosotros” de lo que pudimos haber formado parte. Y respecto a “el karma de la Argentina”, te voy a citar la frase “Malditos Argentinos, arruinaron la Argentina”., eso engloba un poco la idea.
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¿Ya que hablamos del país, como se vive en la industria musical la crisis por la que atraviesa la Argentina por estos días?
Old Skulls es una banda que siempre trabajó de forma independiente, por ende nunca formamos parte de la “industria musical”. Ninguno de nosotros vive de la música ni se dedica a esto como medio de trabajo. No tenemos nada en contra de aquellos que sí lo hacen, pero simplemente no compartimos ese camino. Nos han ofrecido tocar en festivales organizado por marcas multinacionales de ropa, de telefonía, eventos organizados por el gobierno de la ciudad o algún municipio y siempre les dijimos que no por el simple hecho de que nosotros no formamos parte de eso ni queremos formar parte.
¿Por donde  anduvieron presentando el disco? ¿Y cual fue el mejor show para Uds. que dieron en 2018?
Anduvimos por varios puntos del país presentando el disco, y podría decirte que uno de los shows que más recordamos de la gira fue el que dimos en Santiago de Chile. Era la primera vez que salíamos del país y no sabíamos lo que nos esperaba, y nos encontramos con gente super agradecida por nuestra visita, gente que cantaba los temas con los puños en alto y no lo podíamos creer. 
¿Hay video nuevo de “Tan solo una canción”, porque la eligieron como corte, y si ya tienen idea de un segundo video?
“Tan solo una canción” es el tema que más laburamos durante la grabación y producción, y es un tema que podría decirse que es introductorio a la banda. La letra describe nuestra postura de rebeldía y de no querer ser como la mayoría, de cagarse en eso y ser firme en lo que uno cree real y propio, y no doblegarse en lo que uno cree sólo para querer caerle bien al otro. Siempre hay ganas de hacer algún video nuevo pero por el momento no está en los planes inmediatos.

Old Skulls – Tan solo una canción :

¿Que le depara a Old Skulls para este 2019?
Seguir propagando el karma universal y mostrarle a la generación nueva que con persistencia y autogestión se pueden lograr cosas copadas.

Entrevista a Vuur – Por Rodrigo García

El nuevo proyecto de Anneke van Giersbergen llega por primera vez al país para presentar su álbum debut, acompañados por Delain, quienes luego de visitarnos con Nightwish, regresan al país en el marco de este show co-headlining.

Antes de eso pudimos hablar con la voz de Vuur y eso fue lo que nos dijo:

¿A que edad te diste cuenta de que tenias una voz privilegiada?

He sido cantante desde que tengo memoria. Realmente porque solo amo cantar y aun lo sigo haciendo. Cuando tenía 13 años, mi profesor de música de la escuela, escuchó que era la única en la clase que podía llegar a las notas altas cuando interpretábamos canciones de Whitney Houston, por lo cual me recomendó que fuera a tomar lecciones vocales, para desarrollar mi voz. Desde aquel momento tomé mis canciones muy seriamente y supe que quería ser una cantante profesional en la música.

¿Es difícil liderar una banda de hombre? ¿Te hacen caso o son rebeldes…?

Descubrí tiempo atrás, que es más fácil trabajar con hombres que con mujeres. Me gusta estar en un mundo de hombres. La energía masculina complementa mi lado liviano femenino. Necesito un poco de testosterona en mi lugar de trabajo.

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¿Vuur lleva apenas dos años de vida, como ha ido evolucionando la banda en este tiempo?

En realidad, Yo formé esta banda de la nada. Ni miembros, ni nombres, ni música. Hicimos un gran trabajo estos dos años establecimos un nombre genuino en la escena. Estoy muy agradecida a la gente que me dio una gran oportunidad de empezar algo nuevo en la escena Heavy.

¿Ya no tenes más las contradicciones de querer que la banda suene heavy a realmente pesado y lo suave que no sea casi silencioso?

Encontré la contradicción en toda mi carrera. Yo puedo rockear y tocar fuerte y pesado con la banda y ser silenciosa , intima y muy personal con solo un trabajo acústico. Quiero elegir entre las dos porque puedo expresarme mejor cuando hago esto. Realmente amo los dos lados.

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¿Por qué eligieron a Delian para que los acompañen en la gira?

Estamos siempre en contacto para tocar juntos, hicimos un tour a través de Europa unos años atrás. Y siempre nos encontramos en los festivales de verano.

Era lógico que toquemos juntos esta vez en sudamérica. Tocamos con Gathering en argentina por primera vez y fue sorprendente.

La gente en Europa especialmente en el norte de Europa, tienden a ser más tranquilos, incluso nuestra audiencia. Yo creo que son maravillosos, pero cuando venimos a tocar a sudamérica y en argentina especialmente, desde el primer momento, la gente es ruidosa y energética.

Llegan por primera vez a la Argentina: ¿Que saben del público y del país?

Es fabuloso para las bandas como nosotros , es como caer en un baño de amor todo el tiempo… amo eso!!!

 

 

Entrevista a Sergio CH-Por Rodrigo Garcia

Minutos antes de subirse al escenario de Lucile, con su nueva banda Soldati, nos juntamos con el mítico Sergio CH para charlar un rato y esto fue el resultado…

En que momento de tu carrera dijiste: “Mi apellido es muy complicado así que dejamos la CH y listo…”?

(Risas) Creo que fue cuando me canse de deletrear el apellido y que así todos lo sigan escribiendo mal.

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Leyendo un poco acerca de tu vida, me encontré que sos un montón de cosas: Autor, compositor, productor musical, diseñador gráfico, padre… ¿En que rol te sentís más cómodo y te gusta más? 

Todos los roles conviven conjuntamente en mi. Eso es un equilibrio y una búsqueda que me costó muchos años de aprender a balancear. Claramente lo más importante para mi es la familia, después el pan en la mesa y después las locuras que se me ocurran grabar a las 5 de la mañana en mi estudio. Trato de disfrutar de todo y ponerle el pecho a todo también. Aprender en cada caso siempre a poner y ponerse limites también, nunca creo uno llega a ser el más pro en todo, siempre se puede seguir creciendo.

Ararat. Foto Agustín Dusserre

¿Te consideras realmente el “padre del stoner en la Argentina”?

Nooo, yo soy el padre de mis dos hijos y hasta ahí porque ya hacen lo que quieren (risas), eso del stoner lo tendría que decir la monada. Lo que si te puedo decir es que arranqué en el 92 con los Natas, lo demás es historia pura vida.

¿Que es lo que te motiva cada vez que formas una banda nueva?

Lo que mas me motiva es poder crear el grupo humano y de ahí que sirva como conductor de cierto concepto musical. Ya sea con Soldati o con Gabo Ferro siempre es esa la impronta principal. Que la química entre las partes este, sea real, después la música sale sola.

Ararat. Foto Agustín Dusserre

Ararat era un luchador de Titanes en el Ring… ¿Tiene algo que ver el nombre de la banda o nada que ver?

Mi viejo fue el productor de Titanes, y también tenemos descendencia armenia en la familia. Así que Ararat surgió como un homenaje a mis abuelos armenios, que gracias a ellos estoy hoy acá.

Una vez dijiste que nunca pensaste que te ibas a dedicar a la música. ¿Sino hubieses sido músico, que hubiese sido de tu vida?

Nmn seguramente diseñador gráfico, es como mi segundo laburo, bahhh mi primer laburo con el que empecé relacionándome con el arte. Sino creo que sería carpintero o pescador, eso siempre me gusto (risas)

¿Suelo preguntarle a los músicos con experiencia y larga trayectoria (¿tener experiencia y tener trayectoria, es lo mismo?) si “realmente” cambio algo en la escena rockera después de Cromañón o sigue todo igual que entonces?

Yyy.. larga trayectoria creo tiene más que ver con cuantos años hayas podido aguantar o permanecer haciendo lo que te gusta, en este caso la música. La experiencia ya creo depende de lo que te haya tocado vivir durante ese proceso. Si siempre hiciste lo mismo y te comportaste de la misma manera ante la vida o te toco transitar cambios y obstáculos a derribar que justamente te dieron, experiencia.

Cromañón es un tema delicado de tocar, si en su momento fue muy difícil y doloroso para todos, mas allá de la catástrofe ocurrida, hubo que buscar e inventar nuevas maneras de salir a laburar con la música. Generalmente todo lo malo que sucede es para que aprendamos algo por desgracia somos hijos del horror y de las malas experiencias para crecer y aprender. Hoy día esta bueno tocar en lugares que básicamente estén en buenas condiciones técnicas y de seguridad, no solo para los músicos sino para el público.

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¿Cómo será el show del 13/4 en Lucille, habrá más canciones nuevas de Soldati?

Mas que nada muchas ganas de tocar y compartir un buen momento con la gente y la música. Encontrarse con esa trilogía sagrada entre la banda, el público y la música. Vamos a hacer las canciones de siempre, mas algunos clásicos de los Natas y adelantar algún tema de lo que será el nuevo disco de estudio de Soldati. El set está planteado de viaje largo así que a prepararse debidamente.